白酒评委多少个，数学思考题

设酒价和瓶价分别为a,b 依题意得:a b=15;a－b=11解得a=13，b=2则应退回的瓶钱为:12×2=24

1 。瓶子的价格 15-11=4元一共有12瓶 总共退还12*4=48元2 。要不影响他原先的名次，也就是说与之前的分数一样，也就是求前六个评委评分的平均数。 （9.65+9.25+8.75+10.00+8.35+7.70）/6=8.95 应该打8.95分

每瓶酒的价钱=15-11=4元酒瓶的数量=12瓶退回给过客的钱=12*4=48元

瓶和酒是一共15元，瓶比酒少11元，所以瓶的价钱是（15-11）/2=2,，所以每个瓶是2元，所以应该退给顾客24元。

38

每瓶318元 不过时间越久越贵 可以珍藏

花冠二十年陈一提两瓶多少钱？

每瓶318元，不过时间越久越贵，可以珍藏。花冠集团有限公司始建于1971 年，是以生产经营白酒为主，包装、印刷、果酒、饮料等一体化发展的大型企业集团，是ISO9001:2000 国际质量体系认证单位。占地 300 多亩，总资产 9800 万元，员工 1390 人，其中专业技术人员 126 人，省级白酒评委 6 人，粮酒发酵池 1360 个，自动灌装线 16 条。2005 年，集团跻身于“全国白酒工业百强企业”之列。集团下辖花冠集团有限公司、御思酒业、水浒酒业等几大公司。公司始终坚持“实实在在做人、认认真真酿酒”的经营理念，视诚信为生命，把客户作上帝，严把产品质量关和优质服务关，在消费者心目中树立了良好形象。先后荣获国家级“守合同重信用单位”、“省第五届消费者满意单位”、“省轻工系统双文明优秀企业”等一系列荣誉称号。

您好，易车网不卖酒。亲，如果我的回答对你有帮助，请设为最佳！

每年国家和地方都评“省名牌”“省著名商标”“中国驰名商标”“中华老字号” “某某金奖”“某某银奖”评委就负责品，让后评价这酒如何如何。但是各个酒厂都事先准备好特殊勾兑的酒拿去评，评的结果都挺好， 但是大量生产的时候酒质会差很多。我亲属就是白酒评委他跟我说的。

中国的白酒国家评委，一般分布于各个白酒加工厂、酒类管理机构、科研机构，一般都是长期从事白酒加工和科研战线上的人员，他们有着丰富的加工和研制的经验，个人都有对味道、口感等非常敏感。国家白酒协会会在3~4年进行一次考试，以确认评委的连任或者新评委的评定，一旦考试通过、会正式颁发证书。已经确认的评委每年会集中对国内各种白酒进行质量评定、也会对新产品进行感官鉴定，还会对中国白酒香型发展起到建议修订作用。评委在各自的工作岗位上，也会对自己生产的白酒进行评定和质量把关。

白酒国家评委，目前有两个机构颁发过证书，一是中国酿酒工业协会，一是中国食品工业协会。通过其组织的专业正规考试与评定，获得证书就成了国家评委。

白酒国家评委是：中国酿酒工业的姣姣者，代表白酒行业参加中国的评酒会的，嗅觉、味觉、等五觉非常灵敏的专业技术人员，是通过层层选拨和考试获得的一种资格。

你是酒厂的评酒师酒厂推荐，考上高级评酒师省酒协会推荐，参加国家白酒评酒师换届考试，考入前几名省里恰好有退出（年龄、能力、企业等原因）的名额国家酒协认可进入大酒厂，拜专家组成员为师，却有天赋，可能性，稍大。否则，看天意吧

其实，米其林三星评选标准很高，2018年全世界的米其林三星餐厅也只有68家。米其林起初为法国餐馆评定星级，后来为全球餐厅评星，追求的的低盐低油、绿色健康。中国只有粤菜距离这个要求近。所以目前中国的米其林三星餐厅较少。提到米其林餐厅，大家会不由自主的和“高、大、上”联系起来，所谓的米其林餐厅，是指《米其林红色宝典》对各地美食、餐厅收录的餐厅。虽然中国大陆美食无数，好的餐厅也是举不胜举，但实际上只有两家米其林三星餐厅。为什么中国大陆米其林三星餐厅那么少？中国是一个餐饮文化大国，然而在中国大陆只有上海两家米其林三星餐厅，这两家餐厅是唐阁和ULTRAVIOLET by Paul Pairet，这不禁让人感到唏嘘，是因为中国菜赢不了评委的心，还是说米其林餐厅的评选标准太高呢？其实，这个问题要从多个方面看，首先，米其林三星评选标准很高，根据《2018米其林指南》全世界的米其林三星餐厅也只有68家，其中日本就有34家，为全世界拥有三星餐厅最多的国家。所以，也能够看出来米其林三星餐厅评选异常严格。第二，《米其林红色宝典》期初为法国餐馆评定星级，后来为全球餐厅评星，追求的的低盐低油、绿色健康，追求食材本身的味道。中国大陆的“八大菜系”中，只有粤菜距离这个要求近，唐阁被评为三星应该也有这部分原因。第三，时间较短。《米其林红色宝典》首次进入中国大陆时间为2016年，因此，现在下结论还是比较早。米其林餐厅和米其林轮胎有什么关系？提到米其林这个词相信大家第一反应是什么？轮胎或美食？这两者又有什么关系呢？1900年，米其林轮胎的创办人心想，如果汽车旅行发展起来，自己的轮胎也会卖得好。于是他们将餐厅、地图、加油站、旅馆、汽车维修厂等有助于汽车旅行的资讯聚集在一起，出版了一本《米其林指南》，通过为大家提供餐旅等信息，引导他们驱车去步行不好到达的乡间野外。车子用得多了，轮胎自然磨损得快，这样轮胎生意就会更好。后来指南进行精简，出版了两个版本：一是提供餐厅和旅馆信息的红皮食宿指南，二是绿色书皮的“绿色指南”，大家似乎对吃更感兴趣，绿色指南知名度远不如红色指南，因此《米其林指南》一般特指“红色指南”。这本指南推荐的餐厅现已横跨23个国家，数目达到了45000之多。每年翻新推出的《米其林红色宝典》被“美食家”奉为至宝，被誉为欧洲的美食圣经。后来，它开始聘请专业的美食侦探进行严格的、客观的评审，发布权威推荐，并开始实行收费。当前，一本最新米其林指南的价格可谓不菲。米其林餐厅是什么意思？所谓的米其林餐厅，是指《米其林红色宝典》对各地美食、餐厅收录的餐厅。能够获得米其林星级认定的餐厅，往往能够吸引大量的顾客前往。米其林餐厅一共有3星，分别为：一颗星 ：值得停车一尝的好餐厅；二颗星 ：一流的厨艺，提供极佳的食物和美酒搭配，值得绕道前往，但花费不低；三颗星 ：完美而登峰造极的厨艺，值得专程前往，可以享用手艺超绝的美食、精选的上佳佐餐酒、零缺点的服务和极雅致的用餐环境，但是要花一大笔钱。

“梦笔生花”又名笔峰，在黄山东北部、北海宾馆右侧散花坞内，与笔架峰相近。在松海中有一石挺出，平空耸立，下圆上尖，像一枝书法家的斗笔。 峰尖石缝中，长有一株奇巧古松，盘旋曲折，绿荫一团，宛如盛开的鲜花。峰下有一巧石，形如人卧睡，故游人称此景为“梦笔生花”，为黄山胜景。清人项黻有诗赞曰：“石骨棱棱气象殊，虬松织翠锦云铺。天然一管生花笔，写遍奇峰入画图。” “梦笔生花”的传说无论哪个说法都和李白有关。据《开元天宝遗事》载，李白曾在梦中梦见一座深山松海中有一支巨笔挺立，直插云霄，笔端有一朵鲜花盛开。之后李白游览名山，来到这里，看到笔峰大以为奇，失声喊道：“梦中之笔花原来在此也！”。又一说，李白日游北海，与狮子林禅院长老相遇，二人开怀纵谈，李白酒后为表谢意，留墨一幅，完毕将笔一抛后飘飘离去。此笔就地化为奇峰，笔尖化树，成就了“梦笔生花”一景。

“梦笔生花”奇松又名“帝松”、“笔花松”或“扰龙松”，被列为黄山九大名松之首，由于自然衰老，这棵树龄达600多年的黄山松1982年枯死。黄山园林部门曾制作塑料的松树模型，并在1984年将其“长”在了原来的位置。2003年，仿制树松针基本风化断落，树干龟裂残缺。为了让“梦笔生花”不留遗憾，黄山市决定重新培育一棵“黄山松”，让其在原地“复活” 将一株自然生长了几十年的黄山松人为地移植到面积不足0．5平方米，并且没有土壤的笔峰尖上并非易事。为此，黄山风景区园林局在2003年成立了专门小组，成员涵盖了森林学、大树移植学、盆景学、园艺学、古树保护学等多个学科。 “梦笔生花”景点，笔峰高44．4米，主岩体厚3．8米，顶端尖削，根本不具备可供栽树的土壤条件。2003年8月，黄山风景区园林局组织有关专业技术人员实地考察后，决定充分利用笔峰东南侧和西侧两条天然的石缝，对种植点填充新鲜肥沃的松林腐殖土，为移栽树根系的延伸以及土肥供应提供必要的保障。 2003年11月至2004年1月，根据原松的树形和高度，园林局在核心风景区精心挑选备栽树，经专家组现场确定了3株备栽树，于2004年春季断根缩坨、修枝整形，以备用。 2004年3月25日，专家组对确定的备栽树进行挖掘，连夜抬运至笔峰附近的无名山坡上。为了把备栽树运上笔峰顶端，施工人员在笔峰和对面的无名山峰之间拉起一条钢缆，然后在钢缆上安装滑轮装备。备栽松就这样“坐”着缆车登上了笔峰，并在专家的指导下完成了移栽、固定、施肥和浇水等工作。 经过专家组和实施组8个小时的紧张施工，成功移植了一棵高175cm、基径18cm、冠幅234cm×228cm、50年生的黄山松。 新树的栽培分别使用了活力素、蒸腾抑制剂和伤口愈合剂，使得移栽笔花松的伤口愈合时间更短、根系恢复更快、元气恢复更迅速。栽种完成后，专家组将新栽松复名“扰龙松”，并制定了《扰龙松种植后的管理规定》及《扰龙松移植后15日管护细则》。 经过一年多的精心陪护，今年3月底，来自北京、合肥等地古树保护、病虫害防治等6个学科专家经现场考察和鉴定，确认该树已经成活，生长发育正常，移植工程取得成功。专家认为，该项成果对中国风景名胜区著名景观的恢复具有重要意义。 3月28日，从黄山风景区园林局传出消息：黄山标志性景观——“梦笔生花”景观恢复技术日前在省科学技术厅组织召开的省级科技成果鉴定会上，成功通过了由林学、森保、林木育种、造林、栽培等多学科专家组成的鉴定委员会的评审。 专家称赞复活技术填补了世界遗产资源保护、著名景观恢复、极端恶劣环境下大树移植的国内空白，达到国内同类项目领先水平。 在海拔1610米、高44米、顶部面积不足0.4平方米且尖削无土的峰顶上，无土缺水，环境条件极为恶劣，移植树龄50余年的黄山松难度极大。该技术确保了移植株移栽成功。(黄林、朱礼文)

一、对画面整体的把握。 二、从点线面和黑白灰以及色相来关注构图。 三、对色调的追求贯穿始终。 四、对笔触的要求。 关键词：色调调整关系笔触的运用 同学们经过三年系统的学习，在即将进入美术高考考场时，meishu211将美术高考中色彩静物要注意的要点作以分析，大家尽量多从本文提及的角度多关注一些问题，进行相关的训练。meishu211希望对广大考生有所帮助！ 一：对画面整体的高难度把握。 何谓高难度？有较多精彩局部充实的和谐的画面。诸个细节像脱缰的群马，如果你没有对整体的控制力，整个画面会糟成一团。我在教学中不排斥对具体东西的的描绘，比如瓷罐哪一点有什么个性，和同等色系的物体相比冷暖有哪些微妙的区别乃至有什么疤痕都尽量让同学们表现出来。做这些不是浪费时间而是训练同学们扑捉微差的敏锐性----这是一个画家应具备的能力。同时培养同学们的耐心----这是作为一个画家的前提。但是同学们一定要注意“调整”这个动词。调整什么呢？调整各个细节之间的各种“关系”比如明暗、虚实、冷暖、鲜灰以及色相的面积关系。怎么调整？你不妨这样：先把诸如鲜灰、冷暖的各种对比作强。这种“强”是不和谐的，也不是我们想要的。那么我们就往弱的关系推进，这就叫“由强到弱”、“由鲜到灰”。在水粉画中，由于它的媒介的特性，我们往往采用由强到弱、由鲜到灰的步骤。我开了个玩笑，说调整就是由麦当娜到林黛玉的转变。 画面的整体把握要求我们要整体的观察色彩。这要求同学们首先要有一个全局的意识，不能孤立地、片面的观察。 其次，要敏锐地抓住基调，然后进一步分析和研究局部的色彩关系。这就是先抓住“大关系”后画“小东西”。之后，你可以比较画面的各个部位。比什么呢？比色相、比冷暖、比明暗、比鲜灰。怎么比呢？同学们记住：同等色相，比冷暖。同等冷暖，比明暗。在作画过程当中，我们往往要求同学们画出同一块衬布所呈现的不同的色彩倾向。德拉柯罗瓦在他的日记记录英国画家康斯太勃尔风景画时说“康斯太勃尔说他的草地之所以高明，是由于用了许多不同的绿色组成。一般风景画家的草地之所以显得缺乏强烈感和生气，正是由于他们习惯了使用单色去表现的缘故。”用这种方法画白衬布，我说你就很聪明了。大家还要会用色彩塑造形体，可根据质感的需要，灵活的去刻画、塑造。衬布要注意边缘线的处理。画的尽可能的厚实一些。静物的深入要注意表现它的结构、转折。质感的不同，要求我们用不同的虚实关系、不同的明暗过渡、不同的反光处理、不同的笔触表现、不同的边缘虚实去完成。我再强调一下画面中心的处理。作画者作画时用眼睛盯住主体物，用余光看其他的部分，这样就产生以视觉中心为主的虚实效果，同时，也形成色彩上的主次关系。将画面最强烈的色彩冲突置在视觉中心不失为一个方法。对主题物的刻画要明显的比其他的物体要到位，我记得我讲到这个问题时特别强调“反对人人平等”“以大欺小”。 二、从点线面和黑白灰以及色相来关注构图。 对于构图，我极力主张大家打破一致的有第点僵硬的三角形构图。构图的样式很多，人们总结的构图有三角形、菱形、四边形、多边形等几何构图……但是同学们不要把高考美术评委想象的过于呆板，用统一的三角形构图以为就好的一塌糊涂的想法是不对的。这要结合对象才行。我在色彩教学中提的最多的构图法则是黑白灰、点线面的关系问题。启发学员们利用它们的色彩冲突形成美妙的关系。 有一次一个学生向我展示他们的三张色彩小稿——都很有想法。我挑出满意的一张，是一个土黄的陶罐、一个蓝灰衬布、一条白色衬布、三个果子、一个小的深蓝色的酒壶。我跟他讲：在点线面的关系中，壶为点、罐为面、两块衬布的交界为线。同样的，壶为黑、罐为灰、布为白。能不能经营一下黑白灰、点线面是你和别人拉开距离的时候。说到寓黑于白、寓白于黑时，我给他讲蓝色的酒壶在画面上是“秤砣”，陶罐是画面的“托盘”。能不能使“秤砣”和“托盘”在画面上达成一种视觉上的平衡呢。这位同学若有所悟。 我们往往说调色盒中，紫色、群青、普蓝、钴蓝、大红、深红、深绿、墨绿、可转化为黑色；湖蓝、草绿、生赭、橘红、橘黄、粉绿等较浅的颜色可转化为灰色；柠檬黄、中黄、永固浅绿等较亮的颜色可转化为白色。而每一种颜色又可以掺和较重的颜色如褐色或较浅的颜色如柠檬黄转化为黑白灰关系中黑色、灰色、白色。随着对画面认识的提高，一些同学都尝试自己摆设静物。作为指导老师，引导的同时还要给予鼓励、支持。有的时候我用水粉颜色涂在静物上以便突出黑白灰，就是为了让同学们对黑白灰有一个更直观的认识。 三、对色调的追求贯穿训练的始终。 色调，简单的说就是整个画面给人总的色彩感觉，大的色彩效果。物体呈现的色调，反映了光源色的特点，不同的色光产生不同的色调，写生中的色调是客观存在的。影响色调最大的因素是光源色：光源色冷暖明确者，色调服从光源色，既光源色是暖的就形成暖调子；光源色是冷的就形成冷调子；光源色强就形成亮调子；光源色弱就形成暗调子。印象画派画家就认为：色彩来源于光，物体并没有固有色，“光之不存，色之焉附”。同学们打破固有色的概念，咱们的光色就会慢慢丰富起来。对画面色调的运用可分为两方面的把握： ⑴定色调。绘画中的色调犹如音乐中的音调，讲究和谐。个别色彩脱离整体而跳出来，会使人感到很刺眼、不舒服，因为他破坏了整体。定大调子之前应先观察对象，注意几点： 1、 先看一下是否有占画面绝大部分的颜色，可参考大面积衬布的颜色和主体的颜色。这种大面积的颜色可以统领全局的话，就可以以这种颜色作为基本色调，我们用这种颜色做个“有色眼镜”来观察对象。 2、 用素描这把尺子来校对明暗和色度。平时大家主要训练“关系”、质感以及高低调子的把握。这对色彩的明度、高低调的确立很有帮助。 3、 对鲜灰的分布有所了解。比如确立你要画的蓝衬布是鲜蓝色还是灰蓝色。各个物体本身的鲜灰也各有异。莫奈的《鲁昂的大教堂》组画中的某些作品，为了表现腐蚀和生霉古墙的灰暗而充分运用鲜灰的对比达到真实感的效果。 4、 对画面的冷暖要作到胸有成竹。一个白色的瓷器，在太阳的直接照射下（室外阳光下），亮部呈暖暖的黄色、暗部呈偏冷的紫色。在室内不接受阳光的直接照射，亮部呈偏蓝的冷色、暗部则偏暖。大家要清楚，几乎咱们所说的各种色彩对比，如冷暖、鲜灰都是“相比较”而言，没有绝对。一些初学者就特别讨厌调色板上的颜色，稍一掺合、颜色摆在纸上，马上就涮笔。其实，咱们涮掉的可能是很好看的颜色。德拉克洛瓦就说过：“给我泥土的颜色，我可以画维纳斯的躯体。”那么，他说的就是色彩纯度的对比。一些同学老向我抱怨：我用了那么多的纯色、亮色，为什么我的画面还是不亮？于是，我拿起画笔搅合调色板上剩余的颜色变成一种说不清的灰色，然后加入一种单纯的颜色让它有色彩倾向，摆在画面上他所画的颜色旁。他马上就感觉出来原本不鲜明的颜色马上就跳了出来。这是“相比较”的妙处。 ⑵对色调的统一要有足够的重视。两种或两种以上的色调同时出现时，每一个色调自身要先统一起来。比如阳光直接强烈照射下的白色瓷器，亮部是黄色调，暗部是蓝色调。这里，黄色是主调，蓝色是辅调。暗部你再加进其他的颜色，也可以加受环境影响的颜色，注意暗部内的颜色变化不要跳出主调。主调决定全局，它与辅调相辅相成、互相渗透。在一个画面里几种色调要有主有次，并和谐统一在整体色调之中。同学们还要善于无限的去充实、丰富色调，而不是去简化它在丰富的过程中要命的分本领就是控制整体。 四、对唯笔触与伪笔触的反驳。 我前年在北京逛书店时，有两本书引起我的注意：一本是《十六笔画苹果》、一本是《马赛的六个角度的画法》。当然，像这种教我们怎样背默色块的书籍很多，但是“唯笔触论”愈演愈烈，应该引起我们的重视。在水粉画中我们主张用笔灵活、用笔触增强画面的表现力。哈尔斯之后，笔触的表现力渐为画家们承认。到印象派，由于直接画法的便利性，笔触的用法也自成体系。德拉克洛瓦曾为笔触而批判那些“古典画师”——“在自然中不存在轮廓线，亦不存在笔触，应该总是用各种艺术所公认的画法去表现自然，而这种画法是艺术的语言。”但大师也谈到随便用笔的危害性：“青年人只迷恋手的灵活。”“也许没有什么回避这种我们牺牲一切的通病更会阻碍一切真正的进步了。” 在高考美术中笔触会帮助我们快速的表现对象。但是色彩作业上的笔触象素描上表现明暗的线条一样，是一个基本的工具之一。笔法上有点、皴、扫、勾、描、摆、拖等。有些老师就不一样了。不知道是哪个老师先立的规矩——一定要整整齐齐的、丝毫不乱的、一笔一笔的、诚惶诚恐的把调得均匀的、腻歪的、不干不湿的颜料轻轻的“摆上去”。这种“伪笔触”恰恰有许多追随者。这些可爱的同学们在意的是笔与笔色块的衔接是否干净，而不是用笔触去表现色彩，在他们眼里笔触超出了画面本身。成了地道的“伪笔触论“的追随者。我们培养的是有创造潜力的学子而不是亦步亦趋的画匠。同学们不要片面的理解“适合高考”的意义，让我们的画面中绘画语言多一些，而少一些浮躁。 推荐：色彩教程大全 （含水粉视频教程 水粉图文教程 水粉理论 ） 来源：中国美术高考网（www.meishu211.com）[原文出处]： http://www.meishu211.com/a/meishujiaoyou/meishukaoxuejingyan/11690.html

首先保证造型和动态准确，否则色彩再好也是失败的，把人物看成几个大面，归纳黑白灰三大面，结合色彩冷暖关系大块上色，慢慢深入，不可一开始就陷入局部刻画， 水粉画是以水作为媒介，这一点，它与水彩画是相同的。所以，水粉画也可以画出水彩画一样的酣畅淋漓的效果。但是，它没有水彩画透明。它和油画也有相同点，就是它也有一定的覆盖能力。而与油画不同的是，油画是以油来作媒介，颜色的干湿几乎没有变化。而水粉画则不然，由于水粉画是以水加粉的形式来出现的，干湿变化很大。所以，它的表现力介于油画和水彩画之间。水彩画的特点是颜色透明，通过深色对浅色的叠加来表现对象。而水粉画的表现特点是处在不透明和半透明之间。如果在有颜色的底子上覆盖或叠加，那么这个过程，实际上是一个加法，底层的色彩多少都会对表层的颜色产生影响，这也就是它较难掌握的地方。但是，有经验的画家往往就是利用它的这种特性来表达水粉色彩自身的和特有的艺术魅力。

沟妹，你还教美术呢？好牛叉呀~！儿童简笔画我都不会了

嗯，我也学过画画。。这个看天赋的- -。我没打击你哦= =、、、、、画画其实最开始还是先学别人的，临摹久了画笔就会顺畅，，等差不多了就学着把已经画的比较不错的技法组合起来放到自己的作品中去。，久了，，别人的也就是你的了。。

多思考，不求画得多，但求画得有进步就可以了。贵在坚持。色彩的话，用色很重要，平时可以在废纸上多练习调色，下笔要大胆，排笔的质量也很重要。速写的话，先临摩，后锻炼。比例很重要。画之前要先观察实物，其实是构图，再则是深入的画了，最后就是修改之类的。 还是把精力多放在文化课上吧。

速写技巧 画好动态线应注意问题 （1）动态线是由人体动作变化产生的，它是外形上最明显、衣服与身体贴得较紧的部位。 　　 （2）画动态线时，要抓住大的部位，抓关键的动势并注意动态的重心。 　　 （3）动态线是非常简练的线条，要根据动作的复杂程度决定动态线的多少，在每个动作中，主要的动态线仅有一 条，其他的是动态辅助线。 　　 （4）抓住人体的各个关键部位的结构关系，如头与肩、手臂与躯干、骨盆与腿、大腿与小腿的关节和小腿与脚的 结合处 动态速写的作画步骤 （1）认真观察动态对象，选定典型动态，集中精神，全力完整地感受动态特征。 　　 （2）迅速画出主动态线和动态辅助线。 　　 （3）凭观察或记忆画出体积关系。 　　 （4）迅速画出表现动势的衣纹。 　　 （5）凭观察和解剖知识填补细节。 　　 （6）按照画面结构要求调整形式节奏。 　　 （7）刻画头部完成。 色彩建议从以下几个方面关注： 一、对画面整体的把握。 二、从点线面和黑白灰以及色相来关注构图。 三、对色调的追求贯穿始终。四、对笔触的要求。 关键词：色调 调整关系 笔触的运用 　　同学们经过三年系统的学习，在即将进入美术高考考场时，我将美术高考中色彩静物要注意的要点作以分析，大家尽量多从本文提及的角度多关注一些问题，进行相关的训练。 　　一：对画面整体的高难度把握。何谓高难度？有较多精彩局部充实的和谐的画面。诸个细节像脱缰的群马，如果你没有对整体的控制力，整个画面会糟成一团。我在教学中不排斥对具体东西的的描绘，比如瓷罐哪一点有什么个性，和同等色系的物体相比冷暖有哪些微妙的区别乃至有什么疤痕都尽量让同学们表现出来。做这些不是浪费时间而是训练同学们扑捉微差的敏锐性----这是一个画家应具备的能力。同时培养同学们的耐心----这是作为一个画家的前提。但是同学们一定要注意“调整”这个动词。调整什么呢？调整各个细节之间的各种“关系”比如明暗、虚实、冷暖、鲜灰以及色相的面积关系。怎么调整？你不妨这样：先把诸如鲜灰、冷暖的各种对比作强。这种“强”是不和谐的，也不是我们想要的。那么我们就往弱的关系推进，这就叫“由强到弱”、“由鲜到灰”。在水粉画中，由于它的媒介的特性，我们往往采用由强到弱、由鲜到灰的步骤。我开了个玩笑，说调整就是由麦当娜到林黛玉的转变。 　　画面的整体把握要求我们要整体的观察色彩。这要求同学们首先要有一个全局的意识，不能孤立地、片面的观察。 　　其次，要敏锐地抓住基调，然后进一步分析和研究局部的色彩关系。这就是先抓住“大关系”后画“小东西”。之后，你可以比较画面的各个部位。比什么呢？比色相、比冷暖、比明暗、比鲜灰。怎么比呢？同学们记住：同等色相，比冷暖。同等冷暖，比明暗。在作画过程当中，我们往往要求同学们画出同一块衬布所呈现的不同的色彩倾向。德拉柯罗瓦在他的日记记录英国画家康斯太勃尔风景画时说“康斯太勃尔说他的草地之所以高明，是由于用了许多不同的绿色组成。一般风景画家的草地之所以显得缺乏强烈感和生气，正是由于他们习惯了使用单色去表现的缘故。”用这种方法画白衬布，我说你就很聪明了。大家还要会用色彩塑造形体，可根据质感的需要，灵活的去刻画、塑造。衬布要注意边缘线的处理。画的尽可能的厚实一些。静物的深入要注意表现它的结构、转折。质感的不同，要求我们用不同的虚实关系、不同的明暗过渡、不同的反光处理、不同的笔触表现、不同的边缘虚实去完成。我再强调一下画面中心的处理。作画者作画时用眼睛盯住主体物，用余光看其他的部分，这样就产生以视觉中心为主的虚实效果，同时，也形成色彩上的主次关系。将画面最强烈的色彩冲突置在视觉中心不失为一个方法。对主题物的刻画要明显的比其他的物体要到位，我记得我讲到这个问题时特别强调“反对人人平等”“以大欺小”。 　　二、从点线面和黑白灰以及色相来关注构图。对于构图，我极力主张大家打破一致的有第点僵硬的三角形构图。构图的样式很多，人们总结的构图有三角形、菱形、四边形、多边形等几何构图……但是同学们不要把高考美术评委想象的过于呆板，用统一的三角形构图以为就好的一塌糊涂的想法是不对的。这要结合对象才行。我在色彩教学中提的最多的构图法则是黑白灰、点线面的关系问题。启发学员们利用它们的色彩冲突形成美妙的关系。 　　有一次一个学生向我展示他们的三张色彩小稿——都很有想法。我挑出满意的一张，是一个土黄的陶罐、一个蓝灰衬布、一条白色衬布、三个果子、一个小的深蓝色的酒壶。我跟他讲：在点线面的关系中，壶为点、罐为面、两块衬布的交界为线。同样的，壶为黑、罐为灰、布为白。能不能经营一下黑白灰、点线面是你和别人拉开距离的时候。说到寓黑于白、寓白于黑时，我给他讲蓝色的酒壶在画面上是“秤砣”，陶罐是画面的“托盘”。能不能使“秤砣”和“托盘”在画面上达成一种视觉上的平衡呢。这位同学若有所悟。 我们往往说调色盒中，紫色、群青、普蓝、钴蓝、大红、深红、深绿、墨绿、可转化为黑色；湖蓝、草绿、生赭、橘红、橘黄、粉绿等较浅的颜色可转化为灰色；柠檬黄、中黄、永固浅绿等较亮的颜色可转化为白色。而每一种颜色又可以掺和较重的颜色如褐色或较浅的颜色如柠檬黄转化为黑白灰关系中黑色、灰色、白色。随着对画面认识的提高，一些同学都尝试自己摆设静物。作为指导老师，引导的同时还要给予鼓励、支持。有的时候我用水粉颜色涂在静物上以便突出黑白灰，就是为了让同学们对黑白灰有一个更直观的认识。 　　三、对色调的追求贯穿训练的始终。色调，简单的说就是整个画面给人总的色彩感觉，大的色彩效果。物体呈现的色调，反映了光源色的特点，不同的色光产生不同的色调，写生中的色调是客观存在的。影响色调最大的因素是光源色：光源色冷暖明确者，色调服从光源色，既光源色是暖的就形成暖调子；光源色是冷的就形成冷调子；光源色强就形成亮调子；光源色弱就形成暗调子。印象画派画家就认为：色彩来源于光，物体并没有固有色，“光之不存，色之焉附”。同学们打破固有色的概念，咱们的光色就会慢慢丰富起来。对画面色调的运用可分为两方面的把握： 　　⑴定色调。绘画中的色调犹如音乐中的音调，讲究和谐。个别色彩脱离整体而跳出来，会使人感到很刺眼、不舒服，因为他破坏了整体。定大调子之前应先观察对象，注意几点： 　　1、 先看一下是否有占画面绝大部分的颜色，可参考大面积衬布的颜色和主体的颜色。这种大面积的颜色可以统领全局的话，就可以以这种颜色作为基本色调，我们用这种颜色做个“有色眼镜”来观察对象。 　　2、 用素描这把尺子来校对明暗和色度。平时大家主要训练“关系”、质感以及高低调子的把握。这对色彩的明度、高低调的确立很有帮助。 　　3、 对鲜灰的分布有所了解。比如确立你要画的蓝衬布是鲜蓝色还是灰蓝色。各个物体本身的鲜灰也各有异。莫奈的《鲁昂的大教堂》组画中的某些作品，为了表现腐蚀和生霉古墙的灰暗而充分运用鲜灰的对比达到真实感的效果。 　　4、 对画面的冷暖要作到胸有成竹。一个白色的瓷器，在太阳的直接照射下（室外阳光下），亮部呈暖暖的黄色、暗部呈偏冷的紫色。在室内不接受阳光的直接照射，亮部呈偏蓝的冷色、暗部则偏暖。大家要清楚，几乎咱们所说的各种色彩对比，如冷暖、鲜灰都是“相比较”而言，没有绝对。一些初学者就特别讨厌调色板上的颜色，稍一掺合、颜色摆在纸上，马上就涮笔。其实，咱们涮掉的可能是很好看的颜色。德拉克洛瓦就说过：“给我泥土的颜色，我可以画维纳斯的躯体。”那么，他说的就是色彩纯度的对比。一些同学老向我抱怨：我用了那么多的纯色、亮色，为什么我的画面还是不亮？于是，我拿起画笔搅合调色板上剩余的颜色变成一种说不清的灰色，然后加入一种单纯的颜色让它有色彩倾向，摆在画面上他所画的颜色旁。他马上就感觉出来原本不鲜明的颜色马上就跳了出来。这是“相比较”的妙处。 　　⑵对色调的统一要有足够的重视。两种或两种以上的色调同时出现时，每一个色调自身要先统一起来。比如阳光直接强烈照射下的白色瓷器，亮部是黄色调，暗部是蓝色调。这里，黄色是主调，蓝色是辅调。暗部你再加进其他的颜色，也可以加受环境影响的颜色，注意暗部内的颜色变化不要跳出主调。主调决定全局，它与辅调相辅相成、互相渗透。在一个画面里几种色调要有主有次，并和谐统一在整体色调之中。同学们还要善于无限的去充实、丰富色调，而不是去简化它在丰富的过程中要命的分本领就是控制整体。 　　四、对唯笔触与伪笔触的反驳。我前年在合肥逛书店时，有两本书引起我的注意：一本是《十六笔画苹果》、一本是《马赛的六个角度的画法》。当然，像这种教我们怎样背默色块的书籍很多，但是“唯笔触论”愈演愈烈，应该引起我们的重视。在水粉画中我们主张用笔灵活、用笔触增强画面的表现力。哈尔斯之后，笔触的表现力渐为画家们承认。到印象派，由于直接画法的便利性，笔触的用法也自成体系。德拉克洛瓦曾为笔触而批判那些“古典画师”——“在自然中不存在轮廓线，亦不存在笔触，应该总是用各种艺术所公认的画法去表现自然，而这种画法是艺术的语言。”但大师也谈到随便用笔的危害性：“青年人只迷恋手的灵活。”“也许没有什么回避这种我们牺牲一切的通病更会阻碍一切真正的进步了。” 　　在高考美术中笔触会帮助我们快速的表现对象。但是色彩作业上的笔触象素描上表现明暗的线条一样，是一个基本的工具之一。笔法上有点、皴、扫、勾、描、摆、拖等。有些老师就不一样了。不知道是哪个老师先立的规矩——一定要整整齐齐的、丝毫不乱的、一笔一笔的、诚惶诚恐的把调得均匀的、腻歪的、不干不湿的颜料轻轻的“摆上去”。这种“伪笔触”恰恰有许多追随者。这些可爱的同学们在意的是笔与笔色块的衔接是否干净，而不是用笔触去表现色彩，在他们眼里笔触超出了画面本身。成了地道的“伪笔触论“的追随者。我们培养的是有创造潜力的学子而不是亦步亦趋的画匠。同学们不要片面的理解“适合高考”的意义，让我们的画面中绘画语言多一些，而少一些浮躁。

勤快有了，那你需要多思考思考了，多出去转转 看别人怎么画的，尽可能找到 自己对自己不满意的地方